Et si le « rock disciplinaire » était une nouvelle version du rock psychédélique, une version pour le vingt-et-unième siècle ? Et si c’était une forme de « post-rock », pas cette invention subtile de critique musical*, mais une évolution du rock, pétrie d’influences 70’s, mais qui s’inscrit dans un dépassement de celles-ci ?
Et d’abord, c’est quoi ça : le « rock disciplinaire » ?
Selon
Turzi, et sa maison de disques Record Makers, c’est une musique qui se développe sur des bases répétitives. Peut-être, mais, c’est surtout une musique qui se livre dans un état proche de la transe.
Soloromano laisse entendre Romain Turzi articuler des phrases incompréhensibles, à la manière d’un shaman en transe. Certes, la répétition y est pour beaucoup, mais elle n’existe pas pour elle-même, elle n’est pas centrée sur elle-même (ce que serait la répétition au nom de la seule répétition). Au contraire, elle tend à créer une tension nerveuse, érotique, qui crée des boucles non pas dans la répétition d’une phase, d’une séquence ou d’une phrase musicale échantillonnée, mais d’une manière qui rappelle plutôt le bis à l’opéra. Si cette répétition est érotique, c’est qu’elle tend et entend donner à jouir : le bis à l’opéra vise à consommer encore et encore le même air, le même morceau ontologique d’anthologie, pour reproduire le plaisir que l’on a eu lors de sa première écoute. La répétition n’est donc pas un processus formel, mais un processus sensuel.
Jesus has no place on the dancefloor développe, en un format ramassé et sous une forme plus incisive, la même logique, jouant sur le paradoxe entre un thème qui donne à penser une chose — « Jésus n’a pas sa place/de place sur la piste de danse » — et une musique — rythmée et plutôt dansante — qui la reprend. Toute la musique de
Turzi semble d’ailleurs plongée dans ce type de paradoxes jouissifs : des sonorités 70’s et une énergie, une posture et une approche de la musique toute actuelle, avec ses tendances à l’autoréférentialité et l’autodérision (
Harpsichord Truck). Solo Romano, seul à l’œuvre (alors que, sur scène, il est accompagné d’un groupe qui apporte à l’interprétation un supplément d’intensité notable), Romain Turzi n’hésite pas ainsi à créer des collisions entre ambiances et rythmes (
Derrick Starter), séquelles de la confrontation entre une basse qui n’a que le riff en tête et des synthétiseurs qui s’emploient à ouvrir des pistes, des brèches vers d’autres directions, d’autres atmosphères, d’autre univers.
Plus linéaire,
Sophie risque sans doute de décevoir, à moins qu’il ne s’agisse que de l’antichambre de
Horus in A, vaste pièce aux charmes progressifs, qui prend le temps de poser ses éléments dans la durée, de jouer avec les effets (comme ces réminiscences de dub mises en avant par un usage spécifique du delay), d’amener les thèmes à la suite d’une rupture de crescendo, de pousser les potentialités des synthétiseurs jusque dans leur retranchement (des sons-boucles qui alimentent la dynamique du morceau). Production en chaîne d’hallucinations sur un rythme qui ne cesse de s’amplifier, d’amplifier la musique, jusqu’à qu’il n’en puisse rester qu’une suite de signaux sonores, puis un seul…
* Simon Reynolds dans un article de Wire en 1994 décrit le « post-rock » comme l’utilisation à des fins non-rock d’instrumentations rock (Simon Reynolds, « Post-Rock », Wire, Issue 123, May 1994 : « Post-rock means using rock instrumentation for non-rock purposes, using guitars as facilitators of timbres and textures rather than riffs and powerchords. »). Rien à voir, autant le dire carrément, avec ce qu’on appelle couramment le « post-rock », cette musique jouée par des groupes comme :
Slint,
Mogwai,
Godspeed You ! Black Emperor, etc.
Chroniqué par
Jérôme Orsoni
le 20/01/2006
